Habana Blue

Dirección: Benito Zambrano.
Países: España, Cuba y Francia.
Año: 2005.
Duración: 115 min.
Género: Comedia dramática.
Interpretación: Alberto Joel García Osorio (Ruy), Roberto Sanmartín (Tito), Yailene Sierra (Caridad), Tomás Cao Uriza (Alex), Zenia Marabal (Luz María), Marta Calvó (Marta), Roger Pera (Lorenzo), Julie Ladagnous (Valerie).
Guión: Benito Zambrano y Ernesto Chao; basado en un argumento de Benito Zambrano.
Producción: Antonio P. Pérez.
Música: Juan Antonio Leyva y Magda Rosa Galván.
Fotografía: Jean Claude Larrieu.
Montaje: Fernando Pardo.
Dirección artística: Juan García Prieto y Alain Ortiz.
Vestuario: Vladimir Cuenca. 

 Habana Blues  estaba en su mente Benito Zambrano desde que estudio en Cuba y desde luego, es una película que merece la pena ver desde la perspectiva de un cineasta foráneo, su visión tan aguda de la realidad del país, da la impresión que la película está realizada por un director cubano. Su propuesta es un canto a la esperanza, a las necesidades, a la amistad al deseo de vivir y a los lazos familiares.
 

Hay dos elementos que siempre están presente en toda las imágenes; La Habana y la música  esta última es el leitmotiv con que se hilvana la historia. Sus dos personajes principales están unidos por un sueño común, vivir de la música, pero sus pretensiones se verán prontamente enfrentadas ante la llegada de una compañía disquera extranjera.

Aunque gran parte de los actores a pesar de ser desconocidos en la pantalla cubana, tienen una naturalidad que provocan la sensación de estar ante un semidocumental, pero más allá de estas reflexiones Habana Blue trae a la pantalla grande la música que en Cuba, está en la frontera de lo desconocido y lo marginado. Los momentos dramáticos

El tema que trata Zambrano no es nada nuevo, la emigración en general, tema  presente no solo en el cine, pero Zambrano va más allá, coloca sobre la historia una ética en los personajes, por encima de sus deseos y aspiraciones, que hace al público reflexionar sobre un tema tan sensible. La estructura del largometraje es lineal sin historias paralelas, solo leves intromisiones de los esfuerzos de Caridad por sacar a su familia adelante y encontrar una forma de salir del país. El uso de planos cortos para dar dinamismo a la historia son un recurso  intencionado del director. Estos planos los utiliza a modo de extractos en algunas partes de la historia, especialmente al principio y al final de la película cuando se intercalan con los créditos y con las imágenes del concierto. De esta forma, la historia no pierde ritmo y en la duración de una canción el autor va cerrando finales. La música es la excusa perfecta para ir a conocer a una juventud no común en Cuba.

La películas que comienzan bajo un tópico; es decir, se cuenta la historia de dos músicos cubanos que quieren triunfar y salir del país. Bajos los códigos recurrentes del cine cualquier espectador  llega a creer por ejemplo que Ruy arreglaría las cosas con su mujer y ella y los niños seguirían a su padre en su carrera musical. Sin embargo no lo hacen de la forma que el espectador espera. El espectador vive la película a través de Ruy  este personaje hace posible entenderle mejor e incluso crees empatías con él, cuando está claro que se está equivocando. Él dirige la historia y da un cambio en su forma de actuar que hace cambiar también la visión que el espectador tiene tanto de la historia y como del personaje. Ruy es el personaje que más evoluciona durante toda la película, cuando es una persona luchadora que sueña con hacerse un hueco en el mundo. No le importa abandonar, al final ya no es el mismo personaje; es una persona comprometida, con valores, con una auténtica devoción por sus hijos y con un profundo arrepentimiento por la forma en que se ha portado con su mujer, algo que no dice con palabras pero lo expresa en cada mirada hacia Caridad. Tito, Caridad o los productores, tienen unos ideales y una forma de actuar que se afecta solo de manera parcial, pero no hace cambar su actitud o  forma de pensar ejemplo: Tito tanto al principio como al final quiere irse de Cuba y eso no cambia en la película.

La luz que el director de fotografía busca en cada momento para este largometraje es una luz natural que sirva solo para ver a los personaje, por lo que se dice que es un filme que roza con el documental, aunque creo realmente que es una película con una dosis alta del neorrealismo italiano que bien  Benito Zambrano aprendió con sus estudios en Cuba. Su función no es ser la protagonista de la historia, ni la de crear ambiente. Es en todo momento supeditada a los personajes a sus expresiones, aunque su naturalidad es cuestionable en algunos momentos cuando es necesario exagerarla en algunas secuencias para poder ver las expresiones de los personajes.

Al final la historia  deja interrogantes abiertas bajo una música de fondo que acompaña al espectador durante toda la velada, lo que hace posible no perderse ni los créditos, intercalados con imágenes del concierto, ni la fuga de Caridad y los niños, ni tampoco del viaje de Tito y de un Ruy melancólico, pero expectante ante lo que le deparará el destino. De esta forma el autor cumple con un final dulce, el de la esperanza de conseguir lo que se anhela y el de la felicidad de quienes lo consiguen; pero también deja un regusto amargo, el de la soledad, el de la pena de haberlo tenido tan cerca y no conseguirlo, el de la realidad de la vida. Un sabor agridulce que a más de uno le habrá dejado con hambre.

+ comentario: la película trata dos temas que no son ajenos a nuestra realidad: la emigracion y la ética, el estira y encoge de hacer lo que hago porcomercio o como un arte...
+ comentario: la fotografía de esta peli es la que ha gustado mas que todas las anteriores, te genera un ambiente que crees que de verdad no lo estan actuando... muy natural todo, te lo llegas a creer y te hacen sentir lo que ellos estan viviendo
+ comentario: el agredado que tiene esta pelicula es toda la música que usaron, le da un extra que te envuelve de principio a fin... a parte de la alegria tan natural que caracteriza a los cubanos.
+ comentario: esta no es la realidad, esto que vimos en peli, es la realidad que vivió Zambrano... no estoy de acuerdo porque esta presentando algo queno es... por todo lo demas me parece una excelente peli...
+ comentario: a nivel de guion, es una peli predecible, sabemos que es lo que sigue, no es un guión complicado y uso la música como excusa para contarla realidad que el (zambrano) vivió mientras estuvo en cuba...
+ comentario: es una peli que esta cargada de principio a fin de: amistad, esperanza y el anhelo de salir adelante sin importar las dificultades 

Los Dioses Rotos

Título Original: Los dioses rotos 

Dirección: Ernesto Daranas

País(es): Cuba

Idioma Original: Español

Formato: 35 mm

Categoría: Ficción

Tipo: Color

Duración: 90 min.

Año de producción: 2008

“Los Dioses Rotos” es un filme sencillo para algunos y profundos para otros, controvertido para algunos puristas de la sociedad cubana. A partir de los años noventa, el cine cubano hizo un giro hacia los temas sociales, donde los temas sociales reflejan la realidad de la sociedad que habían sido esquivadas por los medios escritos y el cine. Sin embargo, este filme es diferente. A partir de una historia real que se desarrolla a inicios del siglo XX, Ernesto Daranas  elabora una acertada trama que es reforzada por diferentes subtramas. La fotografía  refleja esa  Habana contemporánea con sus contrastes, pero vestida con la verdad, lo que permite ser participes de una película  creíble bajo los cánones de un código cinematográfico claro, pasión y el odio.

Esta obra permite sumergirnos el mundo del proxeneta cubano, las prostitución y la jungla que se vive en la archiconocida Habana Vieja, pero su propuesta entre líneas deja perfectamente claro un submundo que ha coexistido por más de cien años en estos varios de Cuba como del mismo modo el culto a las religiones afrocubanas mimetizadas por un tiempo, pero tampoco rompió sus lazos.

 Sin dudas hay una fotografía bien estudiada y una dirección de arte con un acabado de oficio, su montaje bien hilvanado nos permite enlazar la historia con sus saltos en el tiempo en el modo narrativo, nos percatamos de una buena fusión a la hora de la planificación, como el planteamiento cinematográfico del guión.

Uno de los valores del filme y que sin lugar a duda es una ya conocida característica del director de la película Ernesto Darana es en minucioso estudio antropológico en casi todo sus trabajos, que invita y provoca a la búsqueda en la historia social cubana, donde en ocasiones parece que todo está dicho, pero siempre hay un personaje "oscuro" que motiva una buena historia.

Que piensa el director:

- En alguna entrevista dijiste que Los dioses... es una mezcla de géneros dramáticos. ¿Cuál es el predominante entre ellos?
Los dioses rotos es una película cubana sin chistes. Así es que creo que de lo único que no tiene, al menos expresamente, es de comedia. Por lo demás, la película le debe al triller, al melodrama, al suspense, al drama social, etc. Pero sobre todo, y desde el primer plano, existe la clara premonición de una tragedia explícitamente inspirada en la historia de Alberto Yarini y Ponce de León. El desafío entonces radica en cómo narrarla, en cómo regresar a nuestros lugares comunes, a nuestras obsesiones de siempre con la capacidad de atrapar, de sorprender, de emocionar.

- Luego de ver el corte en que se trabaja, estoy convencido de que Los dioses... va a provocar una intensa polémica a nivel de público y crítica, en tanto alude a una realidad dura, donde las personas no son ni químicamente buenos, ni malos a tiempo completo. Y todo esto con un excelente empaque visual, un ritmo trepidante y una eficiencia estética verdaderamente notable.
Me alegra que luego de haberla visto hables de "personas" y no de "personajes". En cuanto a la polémica, me preocupa mucho menos que el hecho de que consigamos llegar a la gente; nuestro sueño es que se llenen los cines y la película permanezca viva entre ellos al menos por un rato. Creo en la inteligencia de nuestro público, en su capacidad de discernir, en su disposición a aceptar un trato serio, a la altura de su perspicacia. No necesitan de un Código Hays, no necesitan de personajes en blanco y negro, no necesitan que le pases raya roja a lo malo ni que les enfatices lo bueno, porque ellos mismos, cada día, entran y salen del mundo de Los dioses..., saben perfectamente que nada es tan bueno ni tan malo como te lo pintan.

¿En qué coquetea con lo documental?

La narración cuenta la investigación que realiza una profesora, quien se prepara para una tesis de maestría, sobre el universo y contexto de la prostitución y el proxenetismo. En medio de su itinerario, realiza una serie de entrevistas a personas que viven en este mundo y se recoge el proceso de documentación que ella realiza en torno al tema. De alguna manera va complementando la historia central y se integra a ella, eso permite el diálogo con la historia de ficción y la pesquisa que es casi periodística.

¿Las entrevistas son basadas en hechos reales?

Sí, son entrevistas a muchachas, travestis y proxenetas, pero la pretensión no es que sean descriptivas ni relatoras de un modus operandi, sino de resaltar el nivel humano que hay detrás de toda su vida.

Por otra parte, la película no pretende dar soluciones, no es algo que me corresponda. La cuestión es abordar el tema que está ahí en la realidad diaria y proponer una reflexión y una mirada crítica. Aunque es una idea ya recurrente - incluso el tratamiento de la vida de Yarini- tanto en la literatura, en el cine como en el teatro, se ha abordado como una caricatura, queda en lo ilusorio y no es tan simple. Por eso, si doy una respuesta o conclusión creo que serían falsas y no es el objetivo de la película, pienso que la sociedad sabe de alguna manera donde estarían las respuestas.

 Comentario: Esta película tiene un dinamismo diferente a otras del ciclo, su estilo es más televisivo , los colores están tratados con más fuerza  y predominan los rojos el verde y amarillos con grandes contrastes, es interesante la propuesta fotográfica, además el tema se sale casi completo de las películas vistas anteriormente, no  aborda temas  critica de forma directa a  Cuba.

Comentario:  Si se nota que l director es mejor guionista que director, la manera de contar y el montaje es muy interesante salta en el tiempo y rompe con una secuencia lógica, juega con el video clip y roza con el cine documental, creo que retrata una realidad  que aunque se desarrolla en Cuba encaja perfectamente en cualquiera de nuestras sociedades.

Comentario: Creo que los actores en ocasiones  no son  tan creíbles, pues en algunas escenas falta fuerza en la energía que deben proyectar, en cuanto la luz y la foto creo que muchas veces parece una postal,  que es una pose y un movimiento de los actores nada espontaneo  ya que los hacen aparecer  entre  marcos de ruina, rejas. Creo eso hace perder un poco la realidad del entorno y se pierde un poco  la claridad del sitio .

Comentario: Es interesante la relación que se ve entre personas  al margen de la ley  y la religión e inclusive los conceptos que se mueven de "protección" y ayuda como dice Rosendo "yo les doy un futuro"... cuando se refiere a las prostitutas. es también de observar que en la película a pesar de tratar un tema de prostitución nunca vemos la misma ejerciéndose directamente, solo los testimonios de las mujeres.

 fuente de la entrevista

 http://litteracuba.blogspot.com/2007/12/cine-cubano-dilogo-con-lo-que-somos.html

http://www.cubacine.cu/losdiosesrotos/comentarios.htm 

http://cine-cubano-la-pupila-insomne.nireblog.com/

Suite Habana

Ficha Técnica:
Dirección: Fernando Pérez
Producción: Magalys González
Asistente de Dirección: Gloria Maria Cossío
Edición: Julia Yip
Director de Fotografía: Raúl Pérez Ureta
Banda Sonora: Edesio Alejandro

Sinopsis

Dentro de la multiplicidad de rostros y lugares, se entrecruzan las historias de personajes anónimos en el de cursar del día y la noche. Varios seres sumamente peculiares alternan sobre el tejido vivo de la ciudad, y cada uno de ellos representa la curiosa diversidad de grupos sociales que se mueven en La Habana de hoy.

 Suite Habana, una obra coral, por la cantidad de sus personajes relevantes; por su casi total exclusión del diálogo; dividida en “movimientos” demarcados por la historia de cada personaje;

La estructura del filme recuerda un día entero, desde la madrugada hasta el siguiente ocaso, Su relato consigue adentrarse en la cotidianidad de seis personas, quienes se “interpretan” a sí mismos ante la cámara:

La anciana vendedora de maní como único recurso para mantenerse y mantener a su esposo inválido.

El doctor-payaso cuyo hermano se va de Cuba.

El obrero ferroviario que sueña con ser músico.

El ropero del hospital convertido en travesti de noche.

El niño Dawn junto a las personas que lo protegen.

El bailarín obligado a dedicarse a la construcción.

Narrativamente, se descubre primero la cotidianidad, el sudor, la monotonía y la escasez, pero a medida que el filme avanza, con un ejemplar sentido del suspense, el espectador accede a la verdad íntima de cada personaje, a cada personal y portentosa e inmarcesible capacidad de crear, de crecerse, de emocionarse y de soñar cada personaje. Todos, están presentado desde doble perspectiva: son gente común y al mismo tiempo excepcional, son personas erosionadas por la penuria, los obstáculos y el infortunio, pero en ellos permanece intocada la capacidad para forjar sueños,

Aunque por momentos, muy breves, el porfiado propósito de transparentar lo incorpóreo y anímico derive en una cierta retórica visual y anecdótica.

Suite Habana es una de los testimonios fílmicos más genuinamente humanista, y anti convencionales en los últimos diez años de la cinematografía cubana, quedará omo la exposición cinematográficamente más lograda. con modelos de universal repercusión.

Breve comentario del propio director : Suite Habana, un documental que por estos días hace sudar a los críticos cuando tratan de ubicarla en un género; mientras que su realizador sonríe, porque él no hizo otra cosa que atender a los guiños que la vida le lanzó mientras filmaba.

—¿Qué alternativas, a favor o en contra, usted sopesó durante la semana en que meditó si filmaba o no a Suite Habana? —Yo tenía como temores, es la verdad. La idea inicial era compleja: filmar un día en La Habana y que ella fuera la protagonista, con su muchedumbre. Pero, ... ¿cuántas Habanas existen? "De ahí pasé a la idea de contar historias; aunque sin diálogos, solo con imágenes...

"Luego vino otra dificultad: ¿qué personajes se mostraban? Estaba La Habana de los funcionarios y los teléfonos celulares; pero no sabía cómo mostrarla. También se encontraban los marginales, con su carga de corrupción y violencia que, ya de por sí, pone limitaciones para filmar. Al final me quedé con la gente de a pie, que trabajan y tiene una vida que, de tan común, terminamos por no verla.

—¿Tuvieron que superar muchas barreras para entrar de lleno en la vida de los personajes? —En lo absoluto. Desde la primera entrevista no hubo desconfianza, no hubo preguntas de que mira qué va a pasar con esto..., no, no. Llegamos y se pusieron así, a la disposición de nosotros.

Y ellos no sabían que les íbamos a pagar

"Por ahí sale el desconcierto con Suite Habana. Algunos dicen que hay más ficción que realidad y no es cierto. Allí no se alteró nada. Ellos están viviendo sus vidas. La escena del aeropuerto y del avión, cuando Jorge Luis se va, es real. Nosotros le dijimos: 'Vamos a poner la cámara y que ocurra lo que vaya a ocurrir'. Nosotros no interferiremos en nada. Y ahí está la escena".

—Usted trabajó con un guión abierto, pero el filme muestra una armazón sólida. ¿Suite Habana es una obra informal o una estructura bien pensada para transmitir y conmover? —En esta cinta trabajé con la escaleta de un día en La Habana. Yo no tenía que filmar las 24 horas de existencia de los personajes, pero sí cogerlos en momentos muy precisos. A nosotros nos interesaban ciertos elementos de la vida cotidiana, que todo el mundo ve y no salen a flote. Por ejemplo, el bañarse con un cubo y una latica, los granos de arroz cuando son escogidos uno a uno, el plancha-"Le dimos mucho margen a la improvisación para ver qué nos daba la realidad. Ahora, en mi mente sí escogía las escenas que me interesaban, porque la estructura definitiva saldría en la mesa de edición. Allí armamos las historias por separado para ver qué aportaba cada una. Luego se hizo el entramado, que fue lo más difícil; aunque, al final, salió de un tirón. No sé porqué; el caso es que salió así y cuando vinimos a ver Suite Habana estaba lista, latiendo con su una hora y 20 minutos de duración"

Edesio Alejandro dijo que, de todos sus filmes, este era el más complejo desde el punto de vista músical...

—De acuerdo con la banda sonora, Suite Habana sí es la película más compleja que hemos trabajado Edesio Alejandro y yo. Desde un inició quisimos que cada efecto fuera una nota musical en la cinta y que reforzara las situaciones y el ambiente de los personajes, al punto de que parecieran irreales. Así salieron el ruido de los granos de arroz, los carros que suenan como si fueran el viento, el corte de las cebollas.

"Con una particularidad. Que todos fueron inventados. Los únicos sonidos grabados fueron los del payaso, algunos gritos en la ciudad y los de la vecina que le avisa a Francisquito que llegó el padre.

Lo demás fue inventiva y un poco de archivo. Ese sonido del faro no es más que la boca mía y de Edesio haciendo fuaaa, fuaaa, delante de un micrófono. La farola no hace ruido, pero había que acentuarle su vida en la película, al igual que con otros objetos de la ciudad".

—¿Qué ha pasado con los personajes de la cinta una vez que concluyeron las filmaciones? —Bueno, a Ernesto se le acabó de caer el techo de la casa, y parece que el Ballet Nacional lo ayudará en la reconstrucción. Del médico, supimos que dejó su oficio para dedicarse a actuar como payaso. Amanda se compró un refrigerador con el dinero que recibió de la película. Pero lo importante es que, según ellos, ver Suite Habana les ha dado la posibilidad de mirarse por dentro y de empezar a tener otros sueños que antes no tenían.
  "El único que no alcanzó su sueño fue Waldo, el abuelo de Francisquito. El quería salud para vivir, pero falleció tres días antes de la primera exhibición. Sin embargo, ese día el niño lo volvió a ver y en medio del cine señalaba a la pantalla y decía: '¡Ese es mí abuelo; miren a mi abuelo, miren a mi abuelo!'." —¿Y Fernando? ¿Qué ha aprendido de la Cuba de hoy con Suite Habana? —Mira, Cuba es un sueño posible y lo será mientras no se mire de forma esquemática. Esta película trata del valor de las pequeñas cosas; de personas que no necesitan una botella de vino caro para ser felices, a pesar de que son pobres; de gente que sueña en medio de dificultades y logran sobreponerse. Si algo confirmé, más que aprender, fue que nuestra realidad no puede apretarse en moldes y que somos un pueblo de bailadores, sí; pero también de personas que reflexionan sobre la vida que les ha tocado vivir y la que quisieran tener. Y eso es un poco Suite Habana, un momento de intimidad en la Cuba de hoy.

Cometario 1: Es filme  es emociónate, da mucho que pensar, muchos hablan de su punto de vista crítico sobre Cuba, pero creo que más allá están los sueños de esas personas que a pesar de las necesidades, lo tienen, en otras sociedades eso quizás es impensable, poder de día hacer un trabajo y  a la noche cumplir tu sueño.

Comentario 2:  Lo único que refleja la película es la necesidad material, pero hay un mensaje más importante que muestra y es que  a pesar de todo hay un deseo por cumplir con lo que nos gusta están motivados por la vida.

Comentario 3:  El uso de los planos cerrado tanto de los autobuses, los balcones , las personas, dan una imagen comprimida esto provoca en nosotros una sensación de asfixia

y enmarca como se vive en una ciudad, el ruido, el calor , los gritos, esto acorrala a los personajes en su día a día.

Comentario 4: El uso del paralelismo en las imágenes, es como un juego de respuestas y significados, ejemplo es personaje que se va en el avión y el papá de Francisquito en cementerio, provoca una reflexión a la pérdida definitiva de esa persona, así también el uso de los recursos de tantos planos cercanos, nos adentra en un mundo que nosotros dejamos de percibir de manera.

 fuente

www.armandoacosta.com/download/suite_habana.doc

www.cubacine.cu/suitehabana/suite1.html

biblioteca.universia.net/html.../suite-habana/.../37968373.html

El Cuerno De La Abundancia

Entre las muchas entrevistas que se vio precisado a conceder, Tabío reconoció el valor de las coproducciones para la producción y distribución del cine cubano, pero no solamente, porque la gran mayoría de las películas son fundamentalmente con España, por cuestiones de idioma, cultura, tradiciones; sino también porque ayuda a que la distribución fluya mejor y, por supuesto, caracterizó prolijamente su nueva obra: La película muestra la realidad cubana, con sus conflictos, sus necesidades, con las aspiraciones y la lucha del pueblo cubano para seguir adelante (...). Esta película plantea problemas, gente que vive en condiciones claramente difíciles... Ahora, cómo se solucionan esos problemas es algo que corresponde a la sociedad en su conjunto, no al cine, comentó Tabío.

En El cuerno de la abundancia, se relata los estragos que provoca en Yaragüey, un pequeño pueblo cubano, imaginario, la noticia de que todos los que se apelliden Castiñeiras podrán repartirse una herencia que unas monjas depositaron en un banco de Inglaterra en el siglo XVII y que, con los intereses acumulados, se ha convertido en la jugosa cifra de 123 000 millones de dólares. La película surge, según contó el director, de «hechos reales o supuestamente reales», ya que la posibilidad de este tipo de herencias ha estado «volando» en Cuba desde los años 40. «La realidad y la ficción son mundos paralelos», apuntó el cineasta. A él le sirve ahora para hacer una historia en la que relata las miserias y sueños de estos aspirantes a herederos, y su necesidad de aferrarse a un milagro que solucione sus problemas cotidianos. «El arte es polisémico, no hay un discurso en una sola dirección», explicó el director mientras señaló que, aunque en el filme hay «referencias directas a la Cuba de hoy», Yaragüey es un nombre imaginario «como Macondo», es «un universo dentro de un pueblo pequeño» y, por tanto, su realidad es extrapolable a cualquier lugar.

Las situaciones bromistas y hasta burlescas quedan inscritas en el costumbrismo cubano los que desencadenan el mecanismo de la risa, y el surrealismo de los sueños. En esta película convergen códigos de la postmodernidad con un desenfado delicioso. Los personajes, como en casi todas las comedias corales, devienen arquetipos (el padre intransigente y tiránico, la madre posesiva y melodramática, la coqueta interesada y adúltera, el tonto del pueblo...) y en ocasiones se replican en demasía, un personaje neutro, sin carácter, medio víctima, que se enfrasca en una carrera dominada por dos de los pecados capitales, la pasión, y la lujuria, que roza la estupidez, pues en la humorada sarcástica suelen aparecer los pícaros, listos y gozadores, en contraposición con los tontos, ingenuos y timoratos.

El films permite lecturas en sus diversos niveles estructurales, al punto que una misma situación puede provocar, en primera instancia, risas que llegaran a las carcajada, pero tras un análisis, adquiere un tono dramático que puede alcanzar la tragedia, otro elemento interesante aunque ya usado dentro del cine el uso de un narrador en primera persona, e inclusive elementos anecdóticos que ayudan a dar la noticia de lo que está sucediendo

Un ritmo muy intenso en el decursas de la trama, lo inesperado, la sorpresa; atrapa la atención desde el principio, El cuerno de la abundancia puede que con el cursar de los años ocupe un espacio importante en la historia de la cinematografía cubana.

Ante la pregunta de por qué nuevamente utiliza la comedia como género, el director contestó “el humor puede ser una herramienta capaz de revelar claves de vida de una realidad determinada.”

Por su parte Arango su codirector resaltó que la película no es una comedia moralista sino que la risa viene acompañado de momentos dramáticos y reflexiones al utilizar y poner al descubierto códigos universales del funcionamiento de la vida humana. 

 

fuente

http://www.eictv.co.cu/miradas 

http://spanish.irib.ir/index

La Vida es Silbar 1998

"La vida es silbar" (Fernando Pérez, 1998) se coloca en cierta medida en una posición contraria a la anterior película  debatida  la semana pasada, Guantanamera. En vez de escepticismo, la nueva relectura de los orígenes por medio de una fe que incluye las supersticiones, la psicología, la sexualidad y los ritos afrocubano. La vida es silbar recurre asimismo a la alegoría, y por eso a complejos niveles de lectura, que son menos "objetivas".

 En sentido general, La vida es silbar es una película experimental que trata de integrar lo insólito a su narrativa. No se trata de un simplista "realismo mágico". Las extrañezas del argumento expresan preocupaciones sociales demasiado presentes para divorciarlas de sus crisis, tres huérfanos se buscan (aunque no saben que se buscan), una misteriosa narradora conecta las historias de estos tres huérfanos que sólo alcanzarán sentido trascendental cuando se encuentren.

La posición "vital" de la narradora habla de los niveles místicos, como aclimatación de la realidad que La vida es silbar persigue. Por otra parte, el hecho de representar a la juventud cubana con estos huérfanos, habla de la orfandad generacional, sobre todo en el sentido espiritual, cuando los modelos sociales de "hombres nuevos" deben ser replanteados.

Elpidio Valdés es una especie delincuente menor, que vive como marginal en La Habana Vieja, al parecer ha fracasado como músico, aunque los paradigmas con los que Cuba, la mujer que lo crió, le envía mensajes "morales" sobre lo que debe hacer con su vida. Su esperanza es encontrar a Cuba, quien lo abandonó, cuando él no llenó los requisitos que se le exigía. La visión simbólica es algo más que transparente en esta figura, tras su encuentro amoroso con una turista, Elpidio decide romper con Cuba, y aceptar su huida junto a su amante en un globo.

Mariana es una excelente bailarina conocida por su afición a los hombres. Sin embargo, para lograr el papel de Giselle promete ante dios, que no se acostará más con ningún otro. Y cumple su promesa incluso cuando se enamora profundamente de su pareja de baile en el ballet. Mariana hace una excelente Giselle a costa de sacrificar sus apetencias. Este extraño ascetismo o sublimación artística, habla un poco del "rostro" de una Cuba que vive el sacrificio del consumo compensada por cierta "trascendencia" histórica.

Julia se esconde a sí misma en el recuerdo de haber abandonado a su hija de meses. Su neurosis se expresa, cada vez que oye la palabra "sexo" y provoca  su desmayo, pero descubre que muchas otras personas  caen bajo la misma acción cuando también escuchan  las palabras a  las que le temen.

La película parece obsesionada con encuentros marginales y significativos, que hablan en sentido simbólico de ciertas realidades. El taxista que siempre sale al paso de Julia, por ejemplo. O el otro taxista que en medio de la escases devuelve una maleta llena de dinero a un turista. O el hombre que contempla caracoles. O el otro que se autoacusa de feo. La presencia de estos personajes configura una especie de "mural" de la marginalidad, ya sea fuera de los discursos oficiales o integrados de manera paradójica, pero siempre "santificados" por la carencia.

Estos tres personajes principales coinciden el día de Santa Bárbara, tras un largo aguacero (en Guantanamera también había una aguacero curativo, Aunque este encuentro resulta difícil de entender en el desarrollo narrativo de la película, y la narradora acaba sentada triste en el Malecón habanero; mientras alguien silba La vida es rosa (cantante Bola de Nieve).

A pesar de plantearse como comedia, esta película no es para reír, sino para meditar silbando. Y en esta meditación alcanzan muchas inseguridades tanto del planteamiento narrativo de la película como de la lectura de los diversos espectadores. En este sentido sólo me atrevería a reclamar cierta tendencia de los actores ha "interiorizar" demasiado los dramas de sus personajes. Creo que actuaciones más distanciadas habrían ampliado una lectura más simbólica .

 comentario 1:  La película muestra un  canto a la esperanza, la reunificación de todos los personajes principales de la historia en la conocida plaza de la revolución demuestra es deseo de llegar a los orígenes es una invitación a este hecho, en el segundo plano  de esta  misma escena vemos a José Martí cerrando esta trilogía de ideas del propio origen de todo.

comentario 2: Los desmayos más allá de  el hecho significan una ruptura con la realidad a la que no quieren vivir determinadas personas, el desmayo en un colapso  un bloqueo del cerebro que no quiere ver la realidad que los rodea.

comentario 3: a diferencia de  Guantanamera la película es un canto a la esperanza a comenzar de nuevo y regresar a los orígenes, es el mensaje más positivo de toda la película.

comentario 4 el uso de los símbolos como  elemento  de varias  lecturas permite discutir  sobre la  película por más de dos horas.

comentario 5 el 4 de diciembre  a  las 4,44 pm marca un antes y un después en la historia de cuba, claro que para mí fuera del contexto cubano me deja varias dudas que no puedo entender por su cultura

Fuente

 resumen http://www.geocities.com.

Guantanamera1995

Yoyita, regresa a sus 67 años a Guantánamo para visitar a su sobrina Gina y encontrarse con Cándido, un antiguo amor de juventud. Su repentina muerte provoca el viaje de Cándido, Gina y su marido Adolfo un funcionario del estado, que bajo un plan estatal diseñado para ahorrar dinero en el traslado de los fallecidos,  se encarga de transportar el cuerpo de la difunta, nuevamente regresamos a una comedia con reflexiones  a las nuevas formas de  burocracias de una sociedad . Durante el viaje  situaciones complican el éxito de la empresa. Mariano y Ramón, dos amigos camioneros con quienes compartirán casi cada parada. Mariano es un antiguo estudiante de Gina que estaba enamorado de ella. El inesperado reencuentro de ambos promete, sin duda, emociones y aventuras. Estos viajes proveen una reflexión de los problemas de Cuba. nuevamente recogemos la filmografía de Tomas Gutiérrez Alea en compañía de Juan Carlos Tabío.

El cine de Alea se caracteriza por abrir interrogantes, su obra no trata de convencer al espectador e imponerle un discurso ya elaborado donde todo está dicho, sino todo lo contrario, toda su obra es una profunda reflexión, una mirada crítica a la sociedad que le tocó vivir. La técnica utilizada por Alea aparece en el neorrealismo italiano Alea toma del este, el uso de los espacios naturales e incluso su luz, el humor, la comedia de media sonrisa para poder decir.  Otra técnica utilizada frecuentemente  fue utilizar un personaje exteriorizado y ajeno  para que este fuera marginado por su entorno. Como ejemplo en "La muerte de un Burócrata", se ve claramente aplicada en el sobrino del tío Paco; el sobrino es marginado por el aparato burocrático, de esta manera aguda nos propicia una análisis exterior, distanciado de los hechos donde el espectador se siente identificado.

En la película que abordamos ayer "Guantanamera" estas miradas, están vistas desde la perspectiva de una ex maestra que no ejerce su profesión a causa de tener una visión un tanto diferente y he aquí la causa de ser marginalidad. Alea fue un gran humanista de su tiempo tanto en  la película Guantanamera como en Fresa y Chocolate, propone una reflexión y una mirada a la aceptación y a la diferencia, hacia el respeto mutuo como norma de conducta entre los seres humanos. Alea percibía  que el subdesarrollo no solo estaba en la esfera económica, sino también este subdesarrollo abarcaba el espíritu, y la conciencia, por lo tanto es más difícil de superar pues se enquista en la sociedad; en una entrevista señala: "Hay que defender la necesidad de crítica como una necesidad de la revolución para sobrevivir, sino tomamos conciencia de nuestros problemas no podemos resolverlos..."

La película utiliza recursos simbólicos, uno de ellos es la presencia de una niña que dentro del contexto de la historia personifica la muerte, no como un elemento de final, de holocausto, sino como un recurso renovador que  permite regenerar la propia vida, y toda la existencia, este elemento está enfatizado por el pataki del Dios Olofi. Sin duda Titón fue un hombre muy comprometido, nunca se traiciono así mismo y tampoco a sus ideales

Intervención 1 Entre las películas que hemos visto aquí de Tomás Gutiérrez Alea aunque el tema abordado es parecido hay diferencia dentro de la historia contada, en La Muerte de un Burócrata existe un joven que se vuelve loco porque el sistema burocrático en su laberintico proceso de obstáculos conlleva a la locura, pero en la película Guantanamera quien se vuelve loco realmente es el aparato burocrático, se puede ver como el proceso inverso.

Intervención 2 Me gustó mucho más la Muerte de un Burócrata, vi en ella una frescura y una fina ironía, en Guantanamera, se siente más la soledad y la desesperanza.

 Intervención 3  La película hace una dura crítica a la formas y métodos de Cuba en los años de mayor crisis, donde los procedimientos mediocres hacen del hombre menos humanos.

Lucia 1968

La obra cumbre de Humberto Solás es sin duda "Lucia", en ella muestra la madurez como director y define su estilo, que siempre abordan el tema de la mujer y el amor. En la película se expone tres periodos históricos que reflejan como la toma de decisiones alrededor de circunstancias se ven obligadas a poner el amor en un segundo plano. Esto sin duda ayuda a colocarlas  a una mayor desnudez y enfrentadas solas en lo que la vida las ha convertido. El primer cuento enmarcado en 1895 la protagonista salta todo los tabúes sociales, enloquece ante la imposibilidad de superar la situación de traición inducida. El segundo cuento 1933 la protagonista supera los perjuicios sociales rompiendo con el mundo familiar, para unirse a un revolucionario, pero  entre viudez y el embarazo Lucia prefiere la soledad que el regreso. El tercer cuento 196.. Lucia vive en un contexto de cambios sociales, la protagonista está subyugada al marido, pero las presiones de otras mujeres y el descubrimiento de un mundo nuevo la hacen revelarse para el nuevo rol.

Lucia es un filme épico se refiere a tres épocas distintas de la historia de Cuba, El tema de la mujer siempre está presente en la obra de Solás, según sus propias palabra él escoge  los personajes femeninos por ser los más vulnerables ante los cambios sociales. Su obra tiene un lirismo que no debilita la historia y es con él que por primera vez es tratado con tanto realismo la historia de Cuba, hasta ese momento no había filmes cubanos que abordaran el tema de esa manera. Esto está bien expuesto en la batalla final del primer cuento cuando un grupo de mambises desnudos cargan al machete contra los españoles, es un hecho basado en historias de los campos cubanos. La música de Leo Brouwer escrita de manera magistral para la película, utiliza el piano como predominio y su relación con su uso en la época. La Lucia de 1930 el instrumento representativo es la flauta  sobre el preludio de Chopin. Para el último cuento en su contexto del campo cubano y lo popular no podía ser otro que la guitarra y la archiconocida Guajira guantanamera.

Humberto Solás es un creador adelantado a su tiempo por eso  fue incomprendido, tanto por  un público acostumbrado a otros puntos de vista, como por los críticos y políticos, sus filmes siempre estarán marcado por la reconstrucciones de época y grandes producciones tanto en costos, como en el largometraje de la obra, de su filmografía tenemos  "El Siglo de las Luces" "Cecilia", "Un hombre de éxito" entre otras.

La Muerte de un Burócrata 1966

Director: Tomás Gutiérrez Alea
Tiempo: 85min
Género Comedia Negra 

Sinopsis. El Tío Paco, un trabajador ejemplar inventa una máquina para crear bustos en serie, y  por accidente cae dentro de esta. Los compañeros de trabajo en un acto relámpago deciden que debe ser enterrado con su carnet laboral, símbolo de su condición obrera, pero su viuda no puede cobrar la pensión sin este documento. El sobrino del difunto vive alucinantes aventuras para recuperar el carnet de la tumba de su tío.

DEBATE

El Tema central debatido fue la burocracia, un fenómeno universal y su vigencia en nuestras sociedades contemporáneas. La película, utilizando recursos estéticos del movimiento cinematográfico neorrealista y mezclando de manera magistral la sátira y humor negro; Gutiérrez Alea, nos muestra  una realidad que no pierde actualidad. Su obra hace un homenaje al cine los Lumiere, pasando por Luis Buñuel, Ingmar Bergman, entre otros.

El personaje de Juachín el sobrino, del tío Paco, personifica la ingenuidad, al no comprender la dimensión a lo que se enfrenta, siempre con la fe de poder solventar la situación, acentúa los personajes burocráticos. Los funcionarios, representan la burocracia que dificultan la obtención del preciado documento bajo constantes obstáculos, sin valorar que detrás de todo hay un cadáver y una viuda. También se refleja como los mecanismos en el fondo están solapados en una ética y un verbo laberintico e hipócrita.

Con la muerte del funcionario del cementerio la denuncia es clara a niveles simbólicos. Al sepelio están invitados todos los burócratas, la acción del cierre de las puertas es un discurso claro en donde deben quedar todos esos males, pero la burocracia sigue siendo un problema universal.

fuentes

fotos:http://munich.cervantes.es/FichasCultura/Ficha40750_25_1.htm

http//mubi.com 

Reynaldo Gonzales Coordenadas del Cine cubano 1 editorial Oriente 2001

página Oficial de Tomás Gutiérrez Alea

http://www.clubcultura.com/clubcine/clubcineastas/titon/index.htm 

http://www.youtube.com